Раздел 2. Зарождение и дальнейшее развитие изобразительного искусства
1. Первые рисунки древних художников
Рисовать – не значит просто воспроизводить контуры: рисунок не состоит из одних только очертаний.
Рисовать человек начал очень давно. Первыми его рисунками были наскальные изображения, выбитые в глубине пещер и промазанные, для большей сохранности, глиной, смешанной с животным жиром; небольшие нательные рисунки, наносимые как для украшения тела, так и для устрашения своих врагов. Рисовали они и на глиняной посуде, выдавливая на ней палочками странные иероглифы и значки, и даже наносили краски на кожу животных, тем самым клеймя их.
Как это ни странно, но уже тогда древние художники имели свои особые правила изображения и близкий и понятный только им материал: камень, глину, золу, раскаленные копья. Изображаемые ими символы и рисунки были не просто простым украшением, но и своеобразным заклинанием, способным отпугнуть врага (рисунки на теле), поспособствовать удачной охоте (рисунки исколотых копьями животных) и т. д. Древних художников можно было бы даже назвать магами и шаманами, ведь именно от их умения рисовать зависело, будет ли племя сыто, сможет ли одолеть врагов и избежать болезней.
Значение слова «рисунок» трактуется по-разному: это и основа языка всех видов изобразительного искусства, и беседа художника с натурой, и рассуждение о жизни, и даже лепка предметов светом и тенью. Хотя суть его значения от этого не меняется. Иными словами, рисунком можно назвать все, что изображено карандашом от руки, так, как это видит человеческий глаз.
Самыми первыми красками, открытыми нашими предками, стали глина и сажа. Первая составляла палитру из следующих цветов: желтого, красного, слегка зеленоватого и белого, а вторая выполняла роль черного цвета. Именно этими материалами природного происхождения долгое время выполнялись все рисунки. Чуть позднее эта краска получила название «охра» – т. е. краска, растертая с маслом. В дальнейшем она хоть и претерпела некоторые изменения, но название за собой все же сохранила.
Спустя несколько веков появилась необходимость в поиске более стойкого художественного материала, который не смывался бы с одежды, стальных предметов и домов. Этим материалом стали растения. Человек научился добывать из них соки, перерабатывать их и превращать в краску. Первоисточником желтого цвета стали соки молочая и шелковицы, отвары луковой шелухи до сих пор дают нам коричневый, многие ягоды – красный. Все эти накопленные веками знания все еще находят применение в сельской местности, где натуральными красками так и продолжают расписывать пасхальные яйца, подкрашивать всевозможную выпечку. Не смогли вытеснить природных красителей и появившиеся химические краски.
Зрительный ряд
Наглядным материалом при изучении искусства древних художников, конечно же, будут слайды с изображением первых наскальных рисунков, глиняных табличек, украшенной изображениями посуды и даже варианты нательной росписи некоторых племен. Все это можно обнаружить в стандартных учебниках по истории.
Неплохо продемонстрировать детям и первые натуральные краски, приготовленные из соков растений (сока свеклы, отвара луковой шелухи, сока молочая), а также кусочки разноцветной глины. Эту краску учащиеся могут попробовать нанести на бумагу. Как правило, зрительное видение предметов, о которых здесь рассказано, позволяет на длительное время закрепить материал в сознании учащихся.
Литературный ряд
Литературным фоном для урока будут служить стихи и рассказы о быте древнего человека, его повадках, манере поведения, внешности и т. д. Его могут подобрать и сами учащиеся.
Полезно также зачитать в начале урока стихотворение Олега Тарутина «Иероглифы», дающее представление о том, как при помощи символических рисунков наши предки передавали друг другу информацию.
Музыкальный ряд
Тематика урока, конечно же, накладывает отпечаток на выбор музыкального ряда. В данном случае почувствовать атмосферу древности помогут народные и былинные музыкальные произведения, песни жителей севера и индейских племен, игра на бубнах и других первоначальных музыкальных инструментах.
Применение материала
Знакомство учащихся с первыми художественными материалами и искусством живописи в произведениях древних мастеров лучше всего проводить на вводном занятии. Это позволит не только заинтересовать уроками, сконцентрировать внимание школьников, только что вернувшихся с летних каникул, на материале, но и настроить их на дальнейшую работу. Кроме этого, дети получат знания о первых красках и изобразительных материалах, что поможет им при дальнейшей работе.
Проведение беседы с учащимися
Проведение беседы при изучении этого материала лучше всего начать с опроса учащихся о том, какие натуральные краски используют их мамы при необходимости подкрасить выпеченные изделия, крем, пасхальные яйца и каким образом они это делают? Этот ход привлечет учеников к беседе, заинтересует будущей темой и заданием. Чтобы слегка разнообразить урок, во время беседы можно привести небольшой рассказ о том, как были обнаружены человеком те или иные краски, какие соки растений русичи использовали в качестве косметики. Детям наверняка будет интересно узнать, что сажей женщины рисовали брови, свеклой подкрашивали щеки и губы. К следующему уроку им можно дать задание расспросить своих бабушек и дедушек о том, какие соки растений и как они использовали в молодости.
2. Иконопись как фундамент изобразительного искусства в России Традиция иконописи и символика цвета
Цвет – материал живописи: цвета в своем уединении плачут и смеются, мечтают о счастье, о любви, они поют волшебные хоралы, они оживают и умирают.
Уже давно люди стали ассоциировать цвета с различными состояниями природы (весна – зеленые, осень – желтые), настроением, состоянием души (горечь и печаль – черные, радость – нежно-голубые и розовые). То, что цвет оказывает разностороннее влияние, ни у кого не вызывает сомнений. Каждый знает, что если долго любоваться желтым цветом, то в душе зарождается беспокойство, зеленый же, напротив, успокаивает и расслабляет, красный будоражит кровь и возбуждает. Не только любой цвет, но и его оттенок несет определенную смысловую нагрузку.
Если опросить какое-то число людей, задавая им вопрос, какой цвет был самым известным более длительное время, чем другие, то все их ответы будут приблизительно одинаковыми: золотой – как цвет роскоши и богатства, красный – как цвет славы и силы, черный – как неоспоримая классика и постоянна тайна. На самом же деле таким цветом является голубой. Именно он привлекает к себе взоры мечтателей, любующихся небесным простором, очаровывает художников своими возможностями. Под действием связанных с ним ассоциаций в России появляются целые организации любителей искусства. Их названия говорят сами за себя: «Голубая роза» (художественное объединение), «Синий всадник» (группа любителей холодных оттенков). Да и само творчество во времена Пикассо очень сильно поддается влиянию охватившего художников «голубого периода».
Стремление сравнивать и сопоставлять все с цветом появилось очень рано. При этом каждая эпоха толковала символику цвета по-своему. Так, в древности красный цвет символизировал кровь. Возможно, именно поэтому у многих народов было принято покрывать умерших красной тканью или посыпать краской. Он же олицетворял одну из сторон света, а именно – запад. А у некоторых народов его даже сравнивали с женщиной. Чуть позднее к этим ассоциациям присоединились еще и страсть, слава и сила.
Белый относили к цветам божественным и чистым. В одежду этого цвета всегда облачали невест, тем самым подчеркивая их невинность и чистоту. Тем же, кто до брака имел плотские связи, венчаться в белом запрещалось. Белый в современном искусстве – это центр внимания и концентрация на главном.
Голубой считали цветом неба и водной стихии, мечты и одновременно холода. Этот цвет был единственным, который удостаивался звания «божественного». Объяснить это можно тем, что вода являлась символом крещения, отсюда и такое восприятие данного цвета. Как и голубой, многие другие цвета тоже имели свое объяснение, основанное на божественном к ним отношении. Так, зеленый стал символом надежды, фиолетовый – душевного страдания и раскаяния, коричневый указывал на отрешение от мира, серый характеризовался как смирение, желтый был цветом предательства и измены, черный же закрепил за собой звание цвета смерти и тьмы. А вот цветом рая стала комбинация золотого, зеленого и красного.
На основе этого довольно легко понять, что именно пытались подчеркнуть на своих иконах древние иконописцы, на чем концентрировали внимание зрителя, на какое отношение их настраивали. Все, что имело отношение к крови, они окрашивали в красный. Красный фон на иконах расценивался как кровь Христа, красными были и сосуды со священной водой. Желтым окрашивали одеяния предателей (изображения Иуды). Но понимание цвета у каждого художника различное, а потому очень большой была вероятность возникновения серьезных разногласий в написании одного и того же святого, а этого церковь допустить никак не могла.
Желая хоть как-то упорядочить распределение цветов при изображении образов святых, папа Иннокентий III ввел единую цветовую символику для иконописи, составленную на основе взаимосвязи цветов с Богом. В соответствии с канонами, белым рисовали все, что имело отношение к рождению и вознесению, красным писали предметы, окропленные кровью (распятия, мучеников). Зеленый цвет стал символизировать праздники, синий – близость к Богу, возвышенность, черный так и остался цветом тьмы, горечи и скорби. Опорными же цветами иконописи стали красный, синий и зеленый. Именно они составляют основную цветовую гамму Святой Троицы.
Система написания икон стала настолько упорядоченной, что, еще не приступив к работе, художник уже знал, что и в какой последовательности следует делать. Сначала он деревянную заготовку покрывал левкасом, иначе говоря, меловым грунтом, по поверхности которого и велась вся остальная работа. Готовое произведение художник-иконописец сверху покрывал ровным слоем олифы или иной масляной смеси, которая, к сожалению, быстро темнела и приводила иконы к порче. Естественно, что от таких ненужных икон следовало как-то избавляться. Лучшим вариантом для уничтожения святых предметов древние люди посчитали сплав их по реке ликом вверх. Они полагали, что икону по пути непременно подбирает Бог и помещает в свои хоромы, вернув ей былой вид. Чуть позднее христиане стали сжигать иконы по окончании молебна на перекрестке или же использовали их для создания новых, нанося прямо на старый рисунок что-то иное.
Для икон церковь определяла не только цвета, но и правила самого их изображения, ведь иконные образы считали первообразами, т. е. не просто придуманными человеком, а заданными свыше. Церковники установили нормы написания каждого святого: как он должен быть изображен, в какой позе, что держать в руках, каким должен быть его взгляд. Эти нормы назывались канонами (строгими правилами). В связи с возникновением этого значения образовались и его составляющие: брацы и прориси. И те, и другие схожи по значению и представляли собой контурные рисунки на кальке, которую накладывали на заготовку и переводили. Иначе говоря, художники попадали в полную зависимость от строгих рамок и не имели возможности отклониться от правил.
Многие, если не сказать все, иконы дошли до нас написанными на одном и том же материале – дереве, чаще всего липовых или сосновых пород. Почему древние художники предпочли именно его, а не бумагу, понять просто. Во-первых, изображения, написанные на бумаге, очень быстро портились, выцветали на солнце и были неудобны для постоянного использования. Во-вторых, дерево на Руси всегда считалось самым дешевым материалом, чего нельзя сказать о бумаге, производство которой в большом количестве началось очень поздно и было неспособно обеспечить нужды всей страны. Деревьев же было хоть отбавляй, да и хлопот они требовали не особенно много.
Вносить что-то свое в изображение древние художники не имели права, а потому старательно срисовывали уже существующие образы святых с икон, написанных ранее. Вот и выходило, что все иконы получались очень похожими, порой даже совершенно идентичными не только по цветовым комбинациям, но и по образу изображенного на них святого.
Церковь же вела тщательный надзор за иконописцами, а найдя расхождения в написании божественных ликов, могла жестоко расправиться с ослушником. Ни о каком дальнейшем развитии живописи в этот период ограничений и строгих рамок просто не могло быть и речи.
Зрительный ряд
Для понимания, что передает через себя цвет, какую смысловую нагрузку он несет, его необходимо сравнить с наиболее яркими образами: огнем, листвой, солнцем, водой, землей и т. д. Именно изображение этих стихий и иных, свойственных природе различных состояний (тумана, рассвета и т. д.) в произведениях известных художников помогает почувствовать настроение и символику цвета. Глядя, например, на картину Ф. Марка «Башня синих лошадей», зритель чувствует холод и дрожь, созерцая пейзаж И. Левитана «Осень», начинает ощущать жар от ярко-желтых и оранжевых красок. Словом, все репродукции для урока необходимо подбирать по одному принципу: они должны давать четкое представление о цвете и быть написанными в одной цветовой гамме.
Литературный ряд
Цветовые ассоциации прослеживаются в творчестве буквально всех писателей и поэтов. Много сравнений можно увидеть в стихах С. Есенина, сопоставление музыки и цвета вы найдете в сонете А. Рембо «Гласные». Очень сильное ассоциативное восприятие и гармонию цвета с предметами показывает в своем произведении «Наоборот» Гюисманс. Во время урока полезно зачитать эпизод с оформлением дома главного героя в черной гамме. Учащимся не помешает представить себя в описываемой автором черной бархатной гостиной, где гостей обслуживают негры, да и на столе присутствуют только блюда, имеющие черный цвет (икра, хлеб), пройти вместе с ним по тропинкам, посыпанным золой, и понять силу воздействия цвета на человека. Чтобы учащиеся лично соприкоснулись с символикой цвета, можно дать им задание самостоятельно подобрать выдержки из недавно прочитанных произведений, в которых четко видны сопоставления цвета с явлениями, поступками, настроением.
Музыкальный ряд
Подбирая музыкальное сопровождение для своего урока, следует помнить о том, что каждый цвет имеет собственную музыку. Например, черный подчеркивает музыкальные композиции, пронизанные грустью и тяжестью, зеленый – музыка, воспроизводящая атмосферу весны, голубой – звонкая мелодия капели и журчания ручейков. Оптимальным вариантом может быть зрительный ряд П. И. Чайковского, воспроизведенный во «Временах года», а также эпизоды из произведений М. Чюрлениса и Н. Римского-Корсакова, посвященные различным состояниям природы.
Применение материала
Материал по символике цвета может стать великолепным помощником на занятиях, проводимых по следующим темам: «Художник как выразитель идей, мечтаний, мыслей и чувств всего человечества», «Древние корни народного искусства», «Знакомство с ахроматическими и хроматическими цветами», «Цвет как средство выражения», «Теплые и холодные, глухие и звонкие цвета», а также «Иконы в твоем доме», «Наследие предков», «Представление жителей Древней Руси о духовной красоте человека», «Цвет как основа языка живописи» и т. д.
Проведение беседы с учащимися
Чтобы проверить и закрепить данный материал, во время беседы с учащимися следует задавать им наводящие вопросы, в процессе решения которых они могли бы еще ярче осознать значение цвета в жизни и творчестве человека. Задаваемые им вопросы могут быть различными. Чуть ниже приводятся несколько их вариантов.
1. Цвет сегодня ассоциируют буквально со всем: с темпераментом, с состоянием души, со сторонами света. А с какими цветами, на ваш взгляд, ассоциируются образы мужчины и женщины? Обоснуйте свой ответ.
Выслушав ответы детей и обсудив их, можно поведать о том, что некоторые страны пошли несколько иным путем, и их символика цвета относительно пола человека значительно отличалась и отличается от распространенной. Так, в Древней Греции цветом мужчин считают синий, а потому часто подкрашивают им бороды и статуи. В Египте таким цветом является темно-коричневый, в то время как образы изображаемых женщин окрашивают гораздо более светлыми тонами.
2. Некоторое время назад цвет был ассоциирован с четырьмя сторонами света. В результате золото стало характеризовать север, такой же холодный, как и оно само, серебро – восток, сияющий и искрящийся поутру или на вечерней зорьке, словно серебро. Цветом юга стала лазурь, а запада, куда чаще всего уходит солнце, красный. Согласны ли вы с этим распределением? Какие бы цвета вы сами соотнесли с данными сторонами света и почему?
3. Для детей, уже имеющих знакомство с цветом, вопросы можно усложнить. Например, попросите их выбрать цвет, соответствующий каждому из четырех типов темперамента. Обсудите эти утверждения, а только затем ознакомьте их с установленной символикой. (Красный цвет характеризует сангвиника, желтый – холерика, белый – флегматика, а черный – меланхолика).
4. Как вам известно, традиции написания икон были тщательно отточены и выверены. Назовите мне несколько основных правил, отражение которых можно найти во многих иконах?
5. Опишите последовательность создания иконы.
«Троица» А. Рублева (ок. 1360 – ок. 1430)
Рисовать – значит видеть пропорции.
Вряд ли можно встретить человека, который не знал бы и ни разу не видел произведения Андрея Рублева «Троица». Эта икона знакома всем с детства. Изображенные на ней три образа как бы говорят нам о дружбе, любви и согласии, дают веру в лучшее и возвращают в старину.
О создателе «Троицы» известно очень мало, т. к. он жил шесть столетий назад, во времена частых монголо-татарских набегов. Ученые-библиографы выдвигают различные версии о его жизни. Одни утверждают, что Рублев – это не настоящая фамилия художника, а всего лишь его прозвище, данное по месту рождения, деревни Рублево близ Москвы-реки. Другие считают, что художник начал свой путь как иконописец в городе Старице Тверской губернии и почти до 40 лет проработал в мастерской великокняжеского двора, где его работа заключалась в написании икон и внутреннего интерьера церквей. Третьи уверены, что свои юные годы Рублев коротал в Троице-Сергиевой лавре. Когда же достиг совершеннолетия, постригся в монахи. К концу жизни ему удалось продвинуться по этой линии и стать иноком Андроникова монастыря.
Кто прав в своей версии, определить сложно, уж слишком мало упоминаний о художнике дошло до наших дней. В любом случае, совершенно ясно, что всю свою жизнь Рублев занимался написанием икон, украшал стены храмов и церквей (Успенский собор во Владимире, Троице-Сергиеву лавру, Благовещенский собор Московского кремля). На его счету роспись самых известных храмов Московской Руси.
Не вызывает сомнений также и его дружба с такими художниками, как Феофан Грек, Прохор и Даниил Горные, очень известными в свое время иконописцами. Черты их творчества, под влиянием которого развивался Рублев, заметны во многих его произведениях. Вместе с двумя из этих учителей (Феофаном и Прохором) Андрей создавал украшение интерьера Благовещенского собора Московского кремля, где их труды были большей частью уничтожены во время пожара.
Рублев мечтал сделать жизнь людей счастливее, а потому во всех его работах чувствуется душевная теплота, надежда на светлое будущее. Его «учителями» были иконы старых мастеров, которые он часами рассматривал, стараясь прочувствовать их, понять мечты и надежды, запечатленные художниками. Но уже тогда Рублев начал понимать, что живопись требует развития и что скоро художники смогут писать лица людей гораздо свободнее и совершенно иначе, чем в его времена. Самому же ему мирские сюжеты пока еще не были свойственны, хотя начинало уже прослеживаться соприкосновение с реальностью, выражавшееся в первую очередь в том, что художник делил в иконах добро и зло и подчеркивал это при помощи цветовой гаммы.
Зрительный ряд
Знакомя учащихся с жизнью и творчеством иконописца Андрея Рублева, необходимо продемонстрировать им различные работы, позволяющие понять, что «Троица» – это не единственное произведение художника, заслуживающее внимания. Дети должны запомнить, что такие иконы, как «Пророк Даниил» (фреска собора Успения), «Благовещение», «Вознесение», «Преображение», «Страшный суд» (фреска собора Успения во Владимире), «Апостол Павел», – это тоже произведения рук замечательного иконописца Андрея Рублева.
Литературный ряд
В знакомстве учащихся с иконами и их историей поможет детская Библия, в которой школьники сами или при помощи преподавателя смогут найти рассказы о некоторых святых. Этот же материал ответит и на многие возникающие у детей в процессе урока вопросы (Кем был данный святой при жизни? За какие заслуги он причислен к лику святых? и т. д.).
Музыкальный ряд
Изучение иконописи просто немыслимо без церковных песнопений, которые помогают гораздо острее почувствовать атмосферу возвышенной духовности, веры в Бога и преклонения перед всем прекрасным.
Применение материала
История иконописи, манера письма художников Древней Руси является сегодня одной из главных тем на уроках изобразительного искусства, позволяющих понять истоки живописного искусства и намного ближе познакомиться с символикой цвета. В связи с этим справочный материал по данной теме может быть использован как после знакомства учащихся с основными цветами, так и в качестве итогового урока по ряду тем, знакомящих с цветом как средством выражения и способом передачи различных состояний природы и души.
Проведение беседы с учащимися
Рассматривая иконы, созданные Андреем Рублевым, не следует сводить всю беседу к самой известной его работе – «Троице». Ее дети знают и без того с малых лет, а потому гораздо продуктивнее поговорить об иных его работах, манере их написания, сходных и отличительных чертах. Дети должны обратить внимание на то, какие требования и каноны повторяются во всех работах (цвет, поворот головы и т. д.), что отличает иконы, написанные иными художниками, от работ Рублева.
Строгановы и их вклад в иконопись и коллекционирование
Многие любители искусства и просто сторонние обыватели считают, что первым коллекционером картин и основателем галерей в России был П. М. Третьяков. На самом же деле коллекционирование произведений живописи началось гораздо раньше. Первые его корни можно встретить еще в 1584 г., когда по желанию Аника Федоровича Строганова (1497–1570) был возведен Благовещенский собор. Именно для его украшения потребовалось собирательство со всей страны работ мастеров иконописи и фрески.
Желание же Аника было немаленьким – храм намеревалось сделать в два раза лучше, чем покои самого московского царя. Этому делу Строганов отдался полностью. Он не только приглашал к себе лучших мастеров, делал заказы царским художникам, тратил на создание картин массу денег (это подтверждает наличие на иконах большого количества золота, серебра и камней), но и построил возле своего дома специальные мастерские, для того чтобы творчеству иконописцев ничто не мешало.
Оформление этого собора длилось очень долгое время. Но это и понятно, ведь чтобы запечатлеть эпизоды из очень редких библейских сказаний, необходимо было их хорошо изучить, чем и занимались сами Строгановы. Представители их рода обладали не только великолепным художественным вкусом, но и просто огромными знаниями в области богословской литературы. Потому все иконы храма индивидуальны, и это при том, что существовали строгие каноны иконописи, эти произведения богаты по содержанию и хранят в себе все древние традиции живописи.
Оформляя собор Богоматери, Строгановы многие работы доверяли своим собственным иконописцам. В их число обычно входили принадлежащие семье крестьяне – Истома и Назарий Савины, Богдан Соболев, Истома Лазарев, Прокопий Чирин и другие. Эти мастера в совершенстве владели манерой строгановского письма, особенность которого заключалась в его миниатюрности.
Первым же человеком, по-настоящему увлеченным коллекционированием, стал Сергей Григорьевич Строганов, известный граф и государственный деятель. Его увлечение не являлось чем-то случайным и нужным лишь для того, чтобы развеяться и развлечь себя. Григорий Строганов испытывал глубокую любовь к живописи. В 1825 г. им была даже основана «Школа рисования в отношении к искусствам и ремеслам», позднее ставшая Строгановским училищем, в котором готовили художников декоративно-прикладного искусства.
О происхождении такой известной фамилии, как Строгановы, давно уже существует много мнений. Одни считают, что их предками были знатные мурзы Спиридоны, плененные, а затем и застроганные татарами. Оставшегося же в живых после этих событий мальчика окружающие прозвали Строгановым. Иные утверждают, что Строгановы – это крестьяне, открывшие месторождение соли у речки Вычегды. За это они были приближены к царскому двору и с тех пор стали одними из главных советников самого государя. Так и продолжая свою солевую торговлю, Строгановы быстро разбогатели. Известен даже случай, когда на выкуп у татар московского князя Василия Темного сумели собрать нужную сумму только Строгановы.
Зрительный ряд
Во время урока могут быть использованы следующие иконы Строгановской школы: «Страшный суд» (конец XVI в.), «Воскресение Христово» (XVI в.), «Никита-воин», а также многие другие работы.
Литературный ряд
При знакомстве с искусством иконной миниатюры на основе Строгановской школы живописи можно использовать произведения различных поэтов, пишущих об иконах, фресках и древних художниках. Очень хорошо вписываются в данную тему стихотворения «Ожившая фреска», написанное Б. Пастернаком, и «Всадник» В. Рождественского. Последнее приводится ниже:
Темнолицый и огневолосый,
Весь в лучах уходящего дня,
Порываясь сквозь сумрак белесый,
Над обрывом он вздыбил коня.
И глаза его в сумрачном блеске,
Разгораясь, как темный алмаз,
С полустертой столетьями фрески
Неотступно летели на нас…
Живописца в монашеской келье,
Видно, мучили страшные сны,
Если он не ушел от похмелья
Забродившей в душе старины.
И, должно быть, каноны святые
Нарушая, он вспомнил о том,
Как рубился с ордою Батыя
На таком же коне боевом…
И возник перед ним, как виденье,
Этот всадник на голой стене,
Уносящийся вихрем в сраженье
Со стрелою, застрявшей в броне.
Он схватил свои кисти в восторге,
Чтоб навеки тот миг удержать,
Словно некогда сам, как Георгий,
Вел на недругов русскую рать…
В полумраке пустого собора,
Про еду забывая и сон,
Он писал то, что встало для взора
Из клубящейся дали времен.
Он писал – не для тьмы и покоя,
Не для нимбов и ангельских крыл, —
Он в отважное сердце героя
Неуемную страсть перелил.
Музыкальный ряд
Учитывая то, что изучение икон Строгановской школы обычно следует за несколькими другими темами, имеющими отношение к иконописи, подбор музыки для данного урока можно возложить на учащихся.
Прослушав на предыдущих уроках различные церковные мелодии и напевы, колокольные перезвоны, дети легко смогут сориентироваться и найти такое произведение, которое объединит иконы разных мастеров иконописи воедино.
Применение материала
Строгановскую манеру письма, образно, можно воспринимать как задатки миниатюры в русском искусстве. В связи с этим вышеизложенный материал может использоваться не только как продолжение темы иконописного письма, но и как предшествующий изучению миниатюры.
Проведение беседы с учащимися
Построение беседы по иконописи лучше всего строить не по принципу вопрос-ответ, а немного иначе. Наверняка у каждого учащегося дома имеется несколько икон, именно на них и следует опираться при закреплении материала. Попросите учащихся принести на урок иконки или зарисовки с них, а затем, в виде соревнования, попросите в нескольких словах охарактеризовать данные работы. Пусть они расскажут, какие цвета использовал при их написании художник и что при их помощи он хотел подчеркнуть? Есть ли у этих икон сходство с иконами, созданными строгановскими мастерами? Благодаря такому наполнению урока класс не просто перескажет ранее услышанное, но и сам переосмыслит новые для него сведения.
В виде домашнего задания к уроку может служить и сбор материала об истории выбранной детьми ранее иконы, ответов на вопрос о том, что за святой или святая изображен(а) на иконе и за какие заслуги данный человек был возведен в этот ранг.
3. Первые шаги к портретной живописи. Творчество С. Ушакова (1626–1686)
После Андрея Рублева наиболее известным иконописцем можно считать жителя Москвы и руководителя иконописной мастерской (1664) Симона Ушакова. Кроме заслуг в области иконописи, ему по праву принадлежит слава за первую сделанную попытку в развитии портретной живописи, т. е. шаг к переходу от средневекового и религиозного к светскому искусству. Именно он осознал, что новое время влечет за собой и новое искусство, искусство, которое будет не просто копировать мастерство старинных иконописцев, но и устремится к совершенствованию изображаемых образов.
Живопись на сегодняшний день является одним из главных видов изобразительного искусства. Она настолько разносторонняя, что объединяет в себе множество различных произведений, созданных на основе использования цвета. Именно при помощи цвета художникам удается образно отразить окружающий их предметный мир.
Желая писать все так, как это есть на самом деле, Симон старается изображать все предметы и образы святых такими, каковы они на самом деле. Но вековые традиции живописи тормозят этот процесс, а потому все, что ни начнет изображать художник, получается по-прежнему декоративным и напоминающим иконную живопись. Лица людей все такие же задумчивые, склоненные в одну сторону, лишенные легкости. Художнику, привыкшему все время срисовывать с икон, не удается понять, как сделать изображение разных людей не иконоподобным, а действительно разным, как подчеркнуть ту или иную отличительную черту своей модели. От этого все, что он пишет, делается еще грубее, все слабые места в этих работах еще более усиливаются. Но все же уже начинает просматриваться сочетание традиций иконописного письма с объемной светотеневой лепкой формы.
Причина возникновения «парсуны»
Впервые древние иконописцы обратили внимание на образ живого человека после появления зеркал. Это чудо, отражающее каждого человека в точности, как ничто более, привлекало к себе художников. Глядя в него, они думали о том, чтобы научиться сохранять увиденный образ таким же, каким он являлся на самом деле. По этой причине художники начинают делать попытки писать с живой натуры, как выражались в древности, с «живства». Все они сажали перед собой модель и начинали срисовывать. Выходило же все равно однообразно и весьма напоминающе икону, хотя срисовывали не с лежащей на столе иконы, а с живого человека. Увы, его еще никто и никогда не рисовал, и заготовленных контуров на него не существовало.
О появлении слова «живопись» есть несколько версий. Наиболее же вероятной является следующая: делая попытки писать с натуры, художники называли новое творчество писанием с «живства», т. е. они делали живописную работу. Постепенно слово «живопись» искоренило все остальные, первоначальные значения.
На первые попытки художников писать «с живства», конечно же, сразу обратили внимание царствующие государи и наиболее знатные особы, которым так хотелось оказаться на холсте и запечатлеть свой образ для потомков. По этой причине первыми моделями художников старины стали именно персоны высокочтимые. Только вот первые их изображения все равно продолжали походить на иконы, ведь писали-то их по-старому, правда, некоторые проблески реализма слегка просматривались: поза приобретала щегольский характер, вводились праздничные и парадные атрибуты, менялись наряды. Но это никого не обижало, а даже напротив, позволяло знатным особам верить, что они ближе к Богу, чем простой люд. В это самое время и появляется понятие «парсуна», возникшее от латинского слова «персона» (лицо). Позднее оно было заменено на «портрет».
Зрительный ряд
Чтобы учащиеся сразу смогли увидеть сходство парсуны с иконой, необходимо подготовить для урока репродукции произведений художников древности, делающих попытки писать образы государей. Одной из наиболее ярких таких работ является парсуна князя М. В. Скопина-Шуйского.
Из работ Симона Ушакова лучше всего заострить внимание на его «Троице» и сопоставить ее с Рублевской. Сравнив эти два произведения, учащиеся смогут понять, что эта икона совершенно иная. В ней просматриваются объемность, перспектива и реализм. Полезно остановиться и на самой его известной иконе «Спас Нерукотворный» и произведении иконного характера «Насаждение древа государства Российского». В этих работах уже более четко прослеживается влияние времени и отхождение от существующих канонов.
Литературный ряд
После того как будет собран ряд репродукций с парсунами государей, на основании имеющегося материала можно приступать к подборке литературного ряда. Здесь наиболее подходящими заставками будут произведения, воспевающие славу и заслуги изображенных на парсунах людей. Это могут быть былины, сказания, песнь о том или ином событии в их жизни и т. п.
К материалу о творчестве Симона Ушакова можно приурочить и знакомство с написанным им лично произведением «Слово к люботщателям иконного писания», в котором он изложил свои собственные взгляды на новое письмо, на разрыв со старыми традициями и канонами. Художник надеялся, что, прочтя его книгу, новое поколение пойдет по другому пути и усовершенствует художественное мастерство.
Помимо этого, во время урока можно зачитать и стихотворение «С чистого листа», написанное Михаилом Матусовским. Анализируя это стихотворение, учащиеся быстрее поймут, что живопись как таковая начинается с обычного чистого листа: с листа, на котором появляются первые черточки и точки, постепенно преображающиеся в замысловатый рисунок. С этого же самого листа начинаются и некоторые иные искусства: музыка и литература.
Музыкальный ряд
При проведении уроков по истокам портретной живописи подходящим фоном может стать народная музыка, а также музыкальные произведения, созданные в честь изображенных на парсунах личностей и посвященные им.
Применение материала
Приступая к изучению портретной живописи, в первую очередь необходимо познакомить учащихся с историей ее появления, а следовательно, и с парсуной. Это поможет детям понять, как происходило становление жанра портрета, кто был его первым «основателем», какие перемены произошли с того времени.
Необходима эта тема еще и потому, что она позволяет заострить внимание детей на некоторых ошибках при изображении человека, свойственных им самим. Ведь, как правило, все школьники рисуют лица по одному шаблону. Здесь, конечно, отражаются возрастные особенности ребенка и его восприятие окружающих людей: он смотрит на старших снизу вверх, а потому ноги нарисованных им людей оказываются намного длиннее туловища, и т. д., но задача учителя как раз и состоит в том, чтобы сразу настроить ребенка на правильное восприятие человеческого образа, обратить внимание на то, что все люди различны, и эти отличительные черты необходимо выделять перед началом изображения в первую очередь.
Проведение беседы с учащимися
Проводя беседу по данной теме, прежде всего следует тщательно рассмотреть и обсудить вместе с учениками, в чем состояли основные и самые большие ошибки первых портретистов, что им удавалось хуже всего. При этом лучше построить беседу т. о., чтобы каждый ребенок имел возможность высказать свое мнение и объяснить, почему он так считает. Ну а после этого учитель должен пояснить, в чем же ребята были правы, что они сумели точно подметить, а в чем допустили ошибки. Но следует помнить, что чем больше поощрений получит каждый ребенок лично, тем сильнее будет его желание работать на следующих уроках, выполнять заданный на дом материал и принимать участие во всех беседах.